FOTOGRAFÍA DE PEAZODECOCK

Hablemos de fotografía.

FUNDAS ESTANCA PARA CÁMARAS REFLEX

Acabo de encontrarme con éste artículo, y ¡claro está!, me ha parecido MUY INTERESANTE desde el punto de vista de que nos abre un mundo de posibilidades para poner imaginación.

Aquí os lo dejo.

fundasestancas_camarasreflex

El verano ya llegó! Por eso el otro día repasamos los modelos de cámaras acuáticas de este año, para que puedas darte un chapuzón y disfrutar de la fotografía al mismo tiempo con una cámara sumergible todo terreno.

Pero ¿qué pasa si quieres utilizar tu cámara réflex en el agua? Pues también puedes hacerlo.

En el mercado existen muchas calidades y acabados de fundas dependiendo del fabricante, podemos encontrar fundas estancas blandas de marca x por eBay por menos de 20€, fundas sumergibles blandas de marcas conocidas entorno a los 100€ hasta carcasas rígidas sumergibles de más de 2000€ que están orientadas para fotografía submarina y fotografía de deportes acuáticos pero de estas hablaremos en siguientes posts.

Hoy os dejamos con varias marcas y modelos de fundas o bolsas estancas blandas para las cámaras réflex, que son la opción mas económica que tenemos para utilizar nuestra réflex en el agua, y así hacer algún reportaje especial o simplemente experimentar otro tipo de fotografía.

Fundas estancas blandas para cámaras Réflex

Por lo general este tipo de fundas son genéricas, es decir valen para muchos tipos y modelos de cámara diferentes, desde dispositivos móviles, cámaras compactas hasta modelos para las réflex dslr que son las que ahora nos interesan.

Con el tiempo las fundas sumergible blandas han ido mejorando, ahora son más resistentes y manejables. Tiene en un precio mucho más accesible que las carcasas rígidas, pero también tienen sus limitaciones.

  • El control de la cámara: Al ser genéricas (que puedes utilizarla en varios modelos de cámaras) y fabricadas poliuretano flexible, el control y ajustes de la cámara puede resultar complicado dependiendo de la situación en la que os encontreis, del mismo modo el montaje y desmontaje de la misma puede ser apratoso.
  • Aunque estas fundas son estancas y sumergibles hasta 5m, no están pensadas para un uso muy prolongado debajo del agua, así que tener precaución con que uso le das, lo digo por propia experiencia.

Recuerda que aquí simplemente te presentamos las opciones que tenemos en el mercado y nos basamos en la información de lo fabricantes. Para mayor información y garantía te aconsejamos consultar a ellos.

¿Cuál necesito? Todo dependerá del uso que le quieras dar y el cariño que le tengas a tu cámara. Recuerda que vamos a meter nuestra cámara + objetivo, así que más vale prevenir que curar, te recomiendo que antes de nada te lo pienses bien y estudies todas las posibilidades que tienes.

Fundas Aquapac

funda_aquapac458

La marca Aquapac comercializa bolsas y mochilas estancas desde 1986 y dispone también de fundas sumergibles paras las cámaras digitales y otros dispositivos, la opción que tenemos para las cámaras réflex es el modelo 458, la cual sirve para la mayoría de las cámaras SLR NO-profesionales más un objetivo estándar.

Características principales

  • Hecha de diferentes tipos de poli-uretano,con un lente acrilico trasnparente
  • Costuras soldadas con alta frecuencia
  • Sumergible hasta 5m.
  • Cualificación de estanquidad IPX8
  • Peso: Funda: 216 gr. 
-correa: 57 gr
  • Fácil montaje: En solo 30 segundos tendrás tu cámara protegida
  • 5 años de garantia para la funda
  • Incluye: Una correa color gris y unos mosquetones en los extremos más un paquete de 3 bolsitas de desecante re-utilizables de 2 gr para absorber la humedad dentro de la funda

No Encajan: Canon 1D, Canon 5D MkII y 7D MkII Nikon D3, Nikon d300s y D7000 entran pero muy justo

Precio: 125 €
Más info y web: aquapac.es

Fundas Ewa-marine

fundas_ewamarine
La marca alemana Ewa-marine es una de las marcas mas conocidas en el mundo de las fundas estancas para cámaras de fotografía y video digitales. Disponen de una gran numero de modelos diferentes dependiendo del tipo de cámara y lente que utilicemos, así como la profundidad a las que las sometamos.

Fundas sumergibles desde 10m como la U-BF100 hasta los 50m con la U-BF100 que ademas nos da la posibilidad de incorporar un flash externo a la cámara. Las fundas ewa-marine vienen con una bolsa incluida y varios accesorios para su transporte y montaje.

En su web tienen un buscador muy útil para encontrar la funda correcta para tu cámara.

Más info y web: ewa-marine.com

Fundas DicaPac

fundas_Dicapac
De la marca DicaPac tenemos la funda WP-S3 para las cámaras “sin espejo” y dos opciones para las Refléx Dslr que son el modelo WP-S5 y el WP-S10. Según podemos ver en las imágenes parecen bastante resistentes y con buenos acabados.

Caracteristicas principales

  • Recubrimiento UV de policarbonato en la lente
  • Sumergible hasta 5 metros con certificado JIS IPX8
  • La WP-S5 Admite lentes de 50mm a 95mm aprox y la WP-S10 hasta los 150mm
  • Tamaño WP-S5: W x H: 150 x 190 mm
  • Tamaño WP-S10: W x H : 270 x 230 mm
  • Incluyen: correa para el cuello y esponja
  • Color: Negro
  • Fabricado en Corea

Más info y web: dicapac.com

 

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29 de junio de 2013 Posted by | TÉCNICAS FOTOGRÁFICAS | Deja un comentario

TRUCOS PARA LA FOTOGRAFÍA CALLEJERA

1.- Planificar tu ruta de fotografía en la calle:

Matt se mueve en una ruta previamente determinada por las calles de Londres. Contiene principalmente 2 características principales, calles amplias con espacio para trabajar y muy transitadas. Aunque de vez en cuando dice salirse un poco de pista para probar nuevas rutas.

2.- Evalúa cuando NO tomar una fotografía en la calle:

La clave para hacer una buena fotografía en la calle es que esta debe ser rápida. Mientras más tiempo te tomas en hacer una fotografía de una situación callejera, lo más probable es que no obtengas lo que esperas. Esto se logra mejorar sólo con la práctica.

3.- Fotografía callejera y las leyes:

Cada vez que haces fotografía en la calle, debes saber qué vas a hacer con esas fotografías. Si pretendes venderlas a alguna biblioteca de imágenes on line y justo incluiste en ellas algún letrero o imagen de marca en particular, lo más probable es que finalmente terminen siendo editadas. Por otro lado, cuando te encuentres con un policía en la calle, mantén distancia y procura explicar primero lo que haces, no sea cosa que tengas problemas por fotografiarlo sin autorización.

4.- Qué hacer cuando te enfrentan:

A veces la gente que retratas se te acerca y te enfrenta, en aquellos casos una buena sonrisa puede ser de ayuda, otras veces mirar otra cosa distinta de la persona a la que fotografías funciona también y por último, puedes llevar un iPod u otro dispositivo encendido, si se te acercan les dices que sólo escuchas música.

fotocallejera1.jpg

5.- ¿Necesito permiso para fotografiar personas en la calle?

 

Yo personalmente no tengo permiso, Y tampoco lo necesito ya que no interactúo con la gente que fotografío y tampoco vendo las fotografías. Claro, otra cosa sería si lo hiciera, pero no me imagino pidiendo permiso a cada persona que quiero fotografiar, tomaría demasiado tiempo.

6.- Cómo evitar ser detectado disparando [fotografiando] en la calle:

  • Usa ropa oscura. Los colores brillantes te harán destacar.
  • Mantén los codos hacia adentro cuando estés fotografiando.
  • Mantén la cámara previamente ajustada. No juegues demasiado con la exposición. Normalmente tienes el tiempo sólo para fotografiar y moverte.
  • Si usas la cámara con una correa, mantenla corta, así evitas demasiado movimiento al caminar.
  • Lleva tu cámara a todas partes. Acostúmbrate tanto a tu cámara hasta que se sienta como una segunda piel.

7.- Aprende de los libros de fotografía de callejera y de sitios web cómo este!

Las mejores fotografías callejeras son aquellas que contienen un momento en el que se desarrolla un acontecimiento que por lo general, nadie más vio venir. Esa es la diferencia entre una fotografía y un reportaje de calle. Para desarrollar esto, nada mejor que mirar y revisar todos aquellos libros y publicaciones disponibles en la web sobre Fotografía.

8.- Elige una calle como lugar para Fotografiar:

Intentar fotografiar una ciudad entera puede resultar abrumador, no lo hagas. En vez de esto, elige una pequeña porción de calle o una esquina, que es donde las acciones van a suceder.

fotocallejera2.jpg

 

9.- Elige temas interesantes para fotografiar en la calle:

Encontrar un buen tema puede tomar demasiado tiempo. A menudo lo que hago es encontrar a alguien que parezca interesante y me cuelgo de él para seguirlo con la esperanza de que algo va a pasar. Un día seguí a un par de tipos calvos vestidos de traje que parecían interesantes. Primero pasaron por una tienda de sombreros con una gran cantidad de ellos colgando, logré captar una buena cantidad de fotos. Luego, en una esquina, se encontraron de frente con dos obreros de la construcción que portaban cascos, la yuxtaposición que se produjo fue un hecho encantador.

10.- Siempre lleve consigo su cámara: [Refuerzo del punto 6]:

La gran mayoría de las fotografías que he realizado en la calle, se han producido en el transcurso de un día cualquiera. Por supuesto que suelo ir a la ciudad específicamente a fotografiar, pero la regla número uno es llevar tu cámara en todo momento y estar siempre listo para hacer una foto… esto mejorará considerablemente tu suerte para lograr una buena imagen.

11.- Aprende a trabajar rápido:

La gran mayoría de las fotos las he tomado con tal rapidez que apenas tuve tiempo de pensar el por qué las estaba tomando. Una vez logré captar la imagen de un tipo corriendo, con el tiempo resultó ser un atracador [ladrón] que huía llevando consigo un celular, gracias a la imagen fue identificado.

12.- El mejor momento para fotografiar en la calle:

Exactamente podría ser cualquiera, pero por las condiciones de iluminación y el tiempo que toma hacer una buena imagen, creo que el mejor momento es al amanecer y al atardecer son momentos particularmente agradables para capturar imágenes. Especialmente en los meses de verano.

13.- Cuando disparar para tomar una fotografía en la calle:

Acércate a la gente y dispara utilizando un pequeño gran angular poco llamativo. Te haces menos llamativo cuando estás cruzando una calle.

14.- Dispara más de una vez:

Cuando un encuadre es bueno no tomas una foto y te vas. Es preciso observar las acciones, veras como estas se desarrollan y cambian. Toma cuantas fotos te sea posible, luego podrás elegir las mejores imágenes.

15.- Toma fotografías en lugares concurridos:

Ponte en un lugar con mucha gente alrededor y debieras ser capaz de tomar una buena imagen casi en cualquier momento. Debieras ser capaz de desarrollar la percepción para saber cuándo algo te va a entregar una buena acción para fotografiar o no. El truco es mantener la atención y la concentración para no dejar escapar detalles en tu excursión fotográfica.

 

fotocallejera3.jpg

 

16.- Siempre ten un montón de memoria disponible:

En aquellos días en que se usaba la película en las cámaras, muchos profesionales sobre todo de prensa y deportes, se apresuraban a cambiar de rollo cada vez que usaban el último fotograma. Hoy con las DSLR digitales ya no tenemos excusa. Mantén siempre un porcentaje de memoria liberada en tu tarjeta. No querrás perderte “La foto” aquella por no tener espacio disponible.

17.- Elegir la longitud focal correcta para la calle:

Cualquier cámara pequeña o de tamaño normal es buena para la calle, para mi históricamente ha sido una Leica, aunque nunca he usado ese sistema ya que he preferido SLR. Creo que una longitud focal fija de 28 mm a 50 mm te alienta a ser más disciplinado, ya que te obliga a ser más activo y reflexivo en la composición.

18.- Cómo evitar la confrontación cuando se fotografía en la calle:

Me parece que seguir siendo discreto a diferencia de invisible es la clave. Te haces más sospechoso si tratas de capturar a escondidas o si estás nervioso. Mientras que si actúas simplemente como si estuvieras haciendo tu trabajo proyectas un lenguaje corporal más positivo, entonces es menos probable que te tropieces con problemas.

19.- Qué modo debo usar en la cámara para fotografiar en la calle:

En la mayoría de situaciones, creo que el modo automático que ya trae la cámara puede ser muy fiable y sin duda te dará una cosa menos de qué preocuparte. La gran cosa sobre el uso de digital es que puedes revisar las exposiciones de inmediato y los ajustes correspondientes. Un método más rápido es utilizar la compensación de la exposición, si creo que hay un ajuste rápido en el modo P, pero, por supuesto, tienes que acordarse de cero de nuevo cuando haya terminado.

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20.- ¿Qué tipo de lente se debe utilizar?

Para usar, no es buena opción un lente Zoom, ya que aísla al sujeto con su entorno y produce un tipo de tiro muy diferente al de la fotografía tradicional de la calle. Muchas de las situaciones que ocurren en la calle, involucran uno o dos temas, por lo mismo se debe tener en cuenta intentar que aquellas situaciones sean parte del encuadre. La gran mayoría de trabajos memorables de la calle se han fotografiado usando lentes de entre 28 a 50 mm.

21.- Reacción rápida en el tiempo:

Creo que es bueno tener en cuenta en qué casos estás tomando fotos. Por ejemplo cuando estoy en Londres, siempre voy a tener la cámara en la mano en lugar de colgármela al hombro, ya que se que eso me va a ayudar a reaccionar más rápido. En las zonas más transitadas a veces paso con la cámara pegada al ojo entre 10 a 15 segundos y si veo algo interesante entrar a cuadro, sé que puedo reaccionar en fracción de segundo.

 

Enlace original.

8 de junio de 2013 Posted by | TUTORIALES | 2 comentarios

FOTOGRAFIANDO PARTIDOS DE FÚTBOL DE NUESTRO HIJO

Todos, antes o después, pasamos por la situación de tener que hacer fotos a nuestros hijos, hermanos pequeños, sobrinos, nietos, hijos de amigos, amigos, etc. en su partido de fútbol semanal del sábado por la mañana. Cuando digo fútbol, me refiero a cualquier deporte, y cuando digo sábado, también es aplicable a domingos 🙂

Se trata de un importante desafío al que, como digo, tarde o temprano, tenemos que hacer frente, así que allá van una serie de consejos que estoy seguro de que te vendrán de perlas para lograr las mejores fotos en estas condiciones.

#1 Mantén El Sol En Tu Espalda

Desde la bandaEn estos partidos, por las horas a las que suelen jugarse es habitual que el sol esté “recién levantado” o, al menos, no en su punto más alto.

Por ello, para lograr una exposición correcta y que la presencia del sol no queme tus imágenes, es más que recomendable que te sitúes en la banda de modo que dejes al sol tras de ti.

Así lograrás, además, imágenes bien contrastadas y los rostros y equipaciones de los niños perfectamente iluminadas.

#2 Sitúate En La Banda, Cerca del Córner

Desde el córnerLo he comentado antes, debes situarte en la banda, de modo que dejes el sol a tu espalda. Y, una vez en la banda, es deseable contar con algo de espacio para poder desplazarte.

Eso sí, la zona de desplazamiento es preferible que se sitúe cerca del córner. ¿Por qué? Pues porque desde esta posición lograrás tomas más frontales de los jugadores, en lugar de tomas laterales, que serían las que conseguirías situándote, por ejemplo, cerca de la línea del medio campo.

Si es posible, desplázate por toda la banda y pruébalo, pero verás que la mejor posición es colocarse cerca del banderín.

#3 Elige El Modo De Disparo Manual

Modo de disparo ManualEs posible que no estés habituado a hacer uso del modo de disparo manual, sin embargo, en estas condiciones suele ser el más adecuado, siempre y cuando no hayas nubes en el horizonte, o bien el cielo esté completamente nublado. De modo que contemos con una iluminación uniforme.

En estas condiciones, la iluminación variará muy poco, por lo que podremos hacer una medición inicial probando distintos valores de apertura y tiempo de exposición hasta lograr una exposición correcta y, a partir de entonces, mantenerlos durante el resto del partido.

Podríamos optar por el modo de prioridad a la apertura y que la cámara calculase en cada toma el tiempo de exposición correcto, pero, dada la escasa variación de iluminación, es más adecuado dejar esos valores fijos.

Además, el modo de prioridad a la apertura, en determinadas tomas, podría equivocarse al medir. Por ejemplo, si los colores predominantes son muy oscuros (sobreexponiendo) o muy claros (subexponiendo).

#4 La Sensibilidad ISO Al Mínimo, Por Supuesto

Sensibilidad ISO mínimaSobra decirlo, pero, por si acaso, recordarte que el valor de sensibilidad a emplear debe ser el mínimo posible, o bien el nativo de tu sensor.

Si la mañana está soleada no tendrás problemas con este ajuste, por el contrario, si la iluminación no es todo lo buena que nos gustaría, es posible que tengas que elevar un poco este valor.

Si te ves obligado, ten cuidado de no subirlo más allá de lo estrictamente necesario. De lo contrario, estarás incoporando ruido a la imagen.

#5 Emplea Un Teleobjetivo Para Evitar Tener Que Recortar La Imagen en el Procesado

TeleobjetivoAl no tener permiso para meterte en el campo, vas a necesitar una focal lo suficientemente larga como para encuadrar la parte de escena en que se produce la acción.

De lo contrario, tendrás que hacer en el proceso de edición recortes para aislar la parte exacta de la escena.

Además, un teleobjetivo es la focal más adecuada porque podrá permitir reducir la profundidad de campo lo suficiente como para que el fondo no distraiga y se centre la acción en el sujeto enfocado.

Piensa en focales superiores a los 150 ó 200mm para lograr buenos resultados (especialmente si las dimensiones del campo son elevadas).

#6 Amplía La Apertura Para Minimizar La Profundidad de Campo

Reducir la profundidad de campoComo comentaba en el punto anterior, la profundidad de campo es un elemento fundamental en la fotografía deportiva.

Para reducir la profundidad, como sabes, además de utilizar una distancia focal elevada, también es importante que selecciones una apertura amplia (número f pequeño).

Sólo así lograrás centrar la atención sobre el jugador o jugadores que desees y restar importancia (al tiempo que restas nitidez) al fondo y resto de elementos que se muestren en la toma.

Si tu objetivo te lo permite, prueba con aperturas de f/4 o incluso inferiores. Observarás una importante reducción de la profundidad de campo.

#7 Utiliza El Tiempo De Exposición Suficiente Para Congelar La Imagen

Congelando el movimientoCon tiempos de exposición superiores o iguales a 1/500 seg. no tendrás ningún tipo de problema. El subir de estos valores únicamente obedecerá a la necesidad de exponer correctamente.

Recuerda que dispararemos en modo manual, con el ISO más bajo posible y una amplia apertura, por lo que si el día es muy soleado es posible que tengamos que irnos a tiempos de exposición de 1/2000 seg. o superiores para no sobreexponer. Ningún problema.

Si, por el contrario, el día no es todo lo luminoso que debería, deberemos garantizar la apertura y tiempo de exposición mínimos indicados, sacrificando, si es preciso, la sensibilidad ISO. Nada que no sepas, ¿verdad?

#8 Modo de Enfoque: AF-C (Servo Continuo)

Modo de enfoque servo continuoSin lugar a dudas, el modo de enfoque para este tipo de situaciones ha de ser el enfoque de servo continuo, en el que la cámara y objetivo te ayudarán a mantener al sujeto en foco.

Si recuerdas, hace un tiempo te hablamos sobre ello en el artículo Qué Modo de Enfoque Utilizar En Cada Situación.

Para fotografía deportiva debes hacer uso de AF-C e indicar que el área de enfoque sea de, al menos, 9 ó 21 puntos.

Si tu cámara lo permite, sería incluso más apropiado confiar en el ajuste de área de enfoque 3D que muchos cuerpos empiezan a incorporar y que ofrece mayor precisión en estas circunstancias.

#9 Tomas Verticales Vs Horizontales

Toma verticalEn cuanto a la orientación de la toma, yo optaría por un mayor predominio de tomas horizontales, pues hay mayor lugar al movimiento, a la amplitud, a la sensación de velocidad.

Únicamente reserva las tomas verticales para aquellas situaciones en las que quieras aislar a uno de los jugadores. O centrarte en un detalle muy concreto.

El resto de lances del juego muéstralos en horizontal, obtendrás mejores resultados. Créeme.

#10 Mantén La Focal Y Evita Recortes

Si estás usando un teleobjetivo no zoom, no hay duda, mantendrás la focal, pues no tienes posibilidad de variarla.

Si por el contrario estás empleando un objetivo zoom, estarás tentado de variar la focal. Mi recomendación en este caso es que trates de evitar la variación de focal, perderás tiempo.

Concentrate en el enfoque y en rellenar el encuadre con la focal deseada. A la velocidad a la que se desarrollan las jugadas es probable que la variación de focal te impida captar la acción, de ahí que te recomiende no variar este parámetro.

#11 Incluye El Balón: Símbolo de Acción Y Motivo Por el Que Se Corre

Incluye el balónEl balón, la pelota, la bola, el esférico, el cuero…, es el protagonista del deporte. Sea el que sea. Por eso hay que darle su importancia.

En la mayoría de tomas es recomendable que lo muestres. De lo contrario, parecerá que no tiene sentido el movimiento, la lucha entre los jugadores, el tomar una u otra dirección en el campo, la mirada de los jugadores en una u otra dirección, etc.

Por ese motivo, muéstralo y darás un mayor sentido a la toma y lo que pretendes transmitir con ella.

#12 Anticípate A La Jugada

El Momento OportunoÉste es, sin lugar a dudas, el consejo más importante, pero también el más difícil de aplicar y conseguir. Es la esencia de la fotografía: predecir, estar preparado, estar listo para el momento adecuado.

Para lograr una buena toma, deberás ser capaz de anticiparte a la jugada y estar esperando con tu cámara el momento exacto: un regate, un disparo, un forcejeo, un gesto de complicidad entre jugadores, un gesto de satisfacción, un lamento, etc.

Es ese momento que estabas esperando y que deberás perseguir a lo largo del partido. Paciencia, pero, sobre todo, mucha atención y ¡dispara!

Fuente.

8 de enero de 2013 Posted by | TÉCNICAS FOTOGRÁFICAS, TUTORIALES | Deja un comentario

ILUMINADO POR UN BESO

BAUTIZO DE HUGO ACEHÚCHE 2012 037 2

19 de diciembre de 2012 Posted by | EXPOSICIÓN, TÉCNICAS FOTOGRÁFICAS | Deja un comentario

TODOS LOS SECRETOS DEL HDR

Como sabes, la técnica HDR busca recoger la mayor cantidad de rango lumínico de la escena a través de un conjunto de imágenes con el mismo encuadre, punto de enfoque y profundidad de campo, pero variando el nivel de exposición.

Sin embargo, a la hora de aplicar esta técnica hay un par de decisiones que suelen generar dudas: el número de tomas que hay que realizar y la separación a nivel de exposición entre éstas.

En el artículo de hoy trataré de darte consejos para saber responder a estas dos preguntas en cada situación en que desees aplicar la técnica.

¿Por Qué Necesitamos Esta Técnica?

RangoDinámicoElevadoComenzaremos por algo muy básico, pero que nunca viene mal recordar: por qué surge esta técnica.

En la actualidad, a pesar de que cada vez fabrican sensores con un mayor rango lumínico y mayor calidad, no disponemos de sensores que puedan captar toda la gama lumínica que puede presentar una escena.

En función de qué cámara tengas, es probable que el rango de tu sensor sea de unos 8, 9, 10EV, o incluso más.

Sin embargo, para un amplio número de sensores la calidad de imágen en la zona de sombras se ve mermada cuando el rango de la escena supera los 6EV, por lo que éste será el valor que consideraremos para nuestros cálculos.

Por este motivo, cuando nuestras cámaras se enfrentan a escenas con un rango superior, se ven obligadas a sacrificar parte de este rango y, bien empastar las sombras, o bien quemar las luces altas, pues no son capaces de cubrir esta gran variedad de iluminación.

La técnica HDR permite evitar esa pérdida de información mediante la obtención de varias imágenes de la misma escena, cada una de ellas con un valor de exposición distinto, para cubrir todo el rango.

 

Configuraciones Habituales de Separación Y Número de Tomas

Número y separación habitual de tomasQuizás, la configuración más habitual de tomas para aplicar esta técnica es la realización de tres tomas con una separación de 2EV entre ellas, o bien cinco tomas con una separación de 1EV entre ellas.

Como puedes ver en los diagramas de la derecha, con ambas configuraciones, considerando que el rango con suficiente calidad que ofrece tu sensor es de 6EV, podrías cubrir un rango global de 10EV con plenas garantías. Rango suficiente para un amplio número de situaciones.

Tan habituales son estos ajustes, que se trata de las configuraciones que ofrecen por defecto muchas de las cámaras que cuentan con la funcionalidad de bracketing de exposición.

No obstante, como veremos a continuación, existen determinadas circunstancias en que nos pueden interesar más otras configuraciones. Eso sí, como normal general, nunca distancies las tomas menos de 1EV, ni más de 2EV, ¿de acuerdo?

¿Qué Ocurre Si Separamos Más Las Tomas O Buscamos Hacer Un HDR Con Más De 7 Tomas?

Manchas por la excesiva separación entre tomasEs posible que, como yo, hayas estado tentado de realizar HDRs con muchísimas imágenes, o con una separación abismal entre ellas.

¿Para qué? Pues muy sencillo, para lograr un rango amplísimo que permita obtener una imagen hiperreal.

Buen intento, pero no funciona. La realidad es que cuando empezamos a incluir demasiadas tomas, los programas de tratamiento HDR se saturan y empiezan a introducir muchísimo ruido en nuestras imágenes, salvo que la separación entre tomas sea muy progresiva.

En cuanto a las situaciones en que usamos tomas con más de 2EV de distancia entre ellas, el resultado que solemos obtener es, bien ruido, bien zonas con manchas o resultados antinaturales. Especialmente visibles en zonas con agua, como las de la imagen superior.

Cómo Saber Si No Es Suficiente. Y Cómo Arreglarlo

HistogramaUna vez que hemos disparado las tomas siguiendo las directrices anteriores, es posible realizar una simple comprobación para saber si ha sido suficiente para captar todo el rango lumínico de la escena.

¿Cómo? A través de nuestro querido histograma. Observaremos el histograma de la fotografía más subexpuesta y comprobaremos que no se hayan quemado luces. También visualizaremos el histograma de la fotografía más sobreexpuesta y nos cercioraremos de que no hay sombras empastadas.

Si el resultado de esas dos comprobaciones es satisfactorio, habremos captado todo el rango. Si la respuesta a alguna de las preguntas es negativa, deberemos disparar nuevas tomas con una compensación de la exposición de -3EV, si no tenemos toda la información sobre luces altas, o bien de +3EV, si carecemos de suficiente información en las sombras.

Hechas estas nuevas capturas, repeteríamos el proceso de comprobación y, si fuese necesario, disparo, esta vez con -4EV y +4EV, y volveríamos a verificar el histograma.

Analiza La Escena Antes De Recurrir Al Histograma

Amplio rango dinámicoLos consejos del anterior apartado no fallan. El histograma nunca nos engaña. Sin embargo, a medida que uno empieza a acostumbrarse y tener cierta pericia con esta técnica, puede saber fácilmente el número de tomas y la separación entre éstas que necesita con sólo ver la escena.

Como te he comentado, la configuración básica de 3 exposiciones con una separación de 2EV entre ellas, o 5 exposiciones con una separación de 1EV entre ellas, te servirá en un gran número de tomas.

Eso sí, si se trata de una escena con profundas sombras (o en la que tienes especial interés en mostrar todos los detalles de estas regiones), deberás recurrir a una toma adicional con una compensación de +3EV para limpiar el ruido y obtener detalle en éstas. Mientras que si lo que presenta son altas luces, la toma que necesitarás es una a -3EV, para disponer de información suficiente.

Como ves, hemos llegado a las mismas conclusiones que en el apartado anterior, pero sin necesidad de acudir al histograma.

HDR Con Sólo Dos Tomas

Normalmente, cuando se habla de HDR se suele pensar en tres exposiciones, con el objeto de mejorar el resultado en sombras y altas luces de la imagen. Sin embargo, en determinadas ocasiones, o aunque sólo sea por ahorrar espacio en tu disco duro, puede interesarte tomar sólo un par de imágenes.

Reflejo HDR

Veamos cuatro situaciones en las que podrías valorar realizar sólo 2 tomas:

  • Cuando únicamente quieres obtener más información de la zona de sombras (0EV y +2EV).
  • Cuando únicamente quieres captar más detalle en las luces altas (0EV y -2EV).
  • Cuando buscas incrementar el rango dinámico de la toma (-1EV y +1EV).
  • Cuando buscas incrementarlo aún más (-2EV y +2EV). Esta opción no es muy aconsejable, de hecho hay aplicaciones que no recomienda una separación de más de 3EV entre las tomas, por ejemplo, HDR Efex Pro.

¿Nunca has probado a realizar un HDR con sólo dos imágenes?, ¡Hazlo!, verás como los resultados también son realmente sorprendentes.

 

Fuente.

5 de diciembre de 2012 Posted by | TÉCNICAS FOTOGRÁFICAS, TUTORIALES | Deja un comentario

CURVAS Y NIVELES EN PHOTOSHOP

El procesado de una fotografía tiene siempre, como vimos hace unas semanas en el artículo Mi Flujo de Trabajo En RAW, una etapa dedicada a la corrección de la exposición y contraste de las fotografías.

Para llevar a cabo esta acción, Photoshop ofrece fundamentalmente dos herramientas (ya sabes que en Photoshop siempre hay varios caminos para hacer las cosas) que nos encargaremos de repasar en este artículo. Se trata de los ajustes por Curvas y por Niveles. ¿Los conoces? Pues no te pierdas este artículo.

Lección #1. Utiliza Capas de Ajuste Y No Ajustes Sin Más

Creación de capa de ajusteLo primero que debes saber de estos ajustes (curvas y niveles) y otros ajustes como brillo/contraste, saturación, tono, intensidad, etc., es que es muy importante el uso de capas de ajuste en lugar de ajustes directamente sobre la imagen.

¿Por qué? Pues por las siguientes razones:

  • Control de la fuerza del ajuste a través de la opacidad de la capa.
  • Control del modo de acción del ajuste a través del modo de fusión de la capa.
  • Posibilidad de deshacer el ajuste de forma no destructiva ocultando la capa.
  • Posibilidad de modificar la zona de acción del ajuste de forma sencilla a través de la máscara de capa asociada a la capa de ajuste.
  • Capacidad para variar el ajuste en cualquier momento a través de las opciones del ajuste.

Creación de capa de ajuste - OpcionesComo ves, no son pocas las razones por las que emplear capas de ajuste y no ajustes directamente.

Para el uso de capas de ajuste, deberás acceder a las mismas a través de Capa > Nueva capa de ajuste, o bien a través del icono de capas de ajuste que se muestra en la parte inferior de la ventana de capas (F7). Se muestra en la imagen superior derecha.

Una vez creada la capa de ajuste, podrás acceder, como se muestra en la imagen de la derecha, a los valores del ajuste seleccionado (con el icono en forma de círculo blanco y negro) y también a la máscara de capa de aplicación del ajuste. Recuerdas cómo funcionan las máscaras de capa, ¿verdad?

Si lo que deseases, haciendo caso omiso a mis recomendaciones, es aplicar directamente un ajuste, optarías por la opción Imagen > Ajustes.

Capa de Ajuste por Niveles: ¿Cómo Funciona?

Capa de Ajuste - NivelesPara crear una capa de ajuste por Niveles tenemos dos opciones: a través del icono de la parte inferior de la ventana de capas, o bien a través de Capa > Nueva capa de ajuste > Niveles

Por cualquiera de los dos caminos llegaremos a una ventana de ajustes como la que se muestra en la imagen derecha.

A través de ella podrás llevar a cabo las siguientes modificaciones:

1. Seleccionar ajustes preestablecidos: mayor contraste, menor contraste, sobreexposición, etc.

2. Trabajar sobre los tres canales (rojo, verde y azul) o sobre cada uno de los canales por separado.

3. Seleccionar en la imagen los tonos a considerar como blanco, negro y gris medio.

4. Desplazar los deslizadores que marcan el punto negro, punto blanco y punto medio.

5. Indicar el rango de niveles de salida. Puede que no te interese que se llegue al negro absoluto y subas el valor del nivel mínimo de salida, o bien que busques esto con el blanco.

A continuación puedes ver una imagen a la que se ha aplicado esta capa de ajuste para corregir la correcta exposición de la misma.

Capa de Ajuste Niveles Aplicada

La forma de trabajar con esta capa de ajuste suele ser la siguiente:

Paso 1. Define con los deslizadores el punto negro.

Paso 2. Define con los deslizadores el punto blanco. Si lo haces presionando simultáneamente la tecla Alt obtendrás una ayuda que te indicará si estás reventando luces o perdiendo detalle en las sombras.

Paso 3. Varía el punto medio (también con los deslizadores) para ajustar la exposición global.

El uso del resto de opciones será más marginal (aunque los cuentagotas pueden resultarte también muy útiles).

Si quieres más, tienes más detalles sobre el uso de esta fantástica herramienta que ofrece Photoshop en el artículo Cómo Usar La Capa de Ajuste ‘Niveles’ de Photoshop Para Corregir La Exposición de Tus Fotos.

¿Y La Capa de Ajuste Por Curvas?

Capa de Ajuste - CurvasLa creación de una capa de ajuste de este tipo, como puedes imaginar, es tremendamente sencilla, se puede hacer bien a través del icono de la parte inferior de capas, o bien a través de Capa > Nueva capa de ajuste > Curvas

Como ves, tiene algunos elementos comunes con la capa de ajuste por niveles.

Veamos cuáles son las principales opciones que nos ofrece.

1. Selección de ajustes preestablecidos: Contraste lineal, contraste medio, más claro, proceso cruzado…

2. Actuación sobre los tres canales de forma simultánea, o bien sobre cada uno de los canales por separado.

3. Selector para variar la luminosidad de un color sobre la propia imagen a través del clic sobre el punto en concreto y el arrastre hacia arriba o abajo.

4. Cuentagotas para los puntos negro, gris medio y blanco.

5. Deslizadores para el punto negro y el blanco.

6. Curva de salida para la selección de puntos que marcarán la función de entrada/salida. Ésta es realmente la funcionalidad que da nombre a la herramienta.

En la siguiente imagen puedes ver cómo se ha aplicado la capa de ajuste de curvas sobre la misma imagen que lo hicimos con la capa de ajuste por niveles.

Capa de Ajuste - Curvas aplicada

Para sacarle el mayor provecho posible a esta herramienta, yo recomiendo seguir las siguientes pautas:

Paso 1. Seleccionar el punto negro a través del correspondiente deslizador.

Paso 2. Seleccionar el punto blanco a través del deslizador.

Paso 3. Definición de puntos sobre la curva.

Paso 4. Trabajar sobre alguna zona concreta de la imagen a través del deslizador de salida seleccionando el punto o puntos sobre los que queremos actuar.

Se Parecen Mucho, ¿Cuál Uso de Las Dos?

Capa de Ajuste de Curvas - Como NivelesHasta Photoshop CS2 había cierta distancia entre una y otra capa de ajuste, si bien su funcionalidad y posibilidades se parecían mucho. Aunque Niveles ofrecía la visualización del histograma, la posibilidad de ver si se reventaban o no las luces al variar los ajustes y otras posibilidades que la hacían más atractiva.

Sin embargo, en las últimas versiones de Photoshop (CS3, CS4, CS5 y CS6) la herramienta Curvas ha incorporado además de la suya propia, la funcionalidad que ofrecía Niveles. Convirtiéndose, en mi opinión, en la mejor alternativa de entre las dos.

Como ejemplo de esta incorporación de funcionalidad, en la imagen de la derecha puede verse cómo la funcionalidad que ofrecen los deslizadores de entrada y salida de la herramienta Niveles también está disponible en Curvas.

Para saber cómo hacer uso de ella basta con considerar que el eje de abscisas marca los valores de entrada, mientras que el de ordenadas hace lo propio con los de salida.

Por tanto, el desplazamiento de los puntos de los extremos y del punto central en una u otra dirección determinará la variación, bien del rango de valores de entrada (flechas verdes), bien del rango de valores de salida (flechas rojas).

Lección #2. Nunca Lo Apliques Sobre Toda La Imagen. Usa Máscaras

¿Por qué crees que por defecto al seleccionar una capa de ajuste se incluye una máscara de capa? Pues porque lo habitual es realizar este tipo de ajustes a regiones concretas de la imagen.

¿Recuerdas el ajuste por zonas? Los valores de exposición deben ser tratados por zonas, expecialmente si el rango dinámico de la imagen es amplio.

Capas de Ajuste - Curvas con máscaras de capa

Observa cómo la imagen superior, a la que se han aplicado dos capas de ajuste de niveles, presenta dos máscaras, una para el cielo y otra para arena y mar. ¿A que el resultado es mucho mejor que cuando lo aplicábamos sobre toda la imagen?

Para aplicar dichas máscaras tienes varias opciones: realizar una selección con la herramienta lazo, por ejemplo, y, a continuación, crear una capa de ajuste, o bien crear la capa de ajuste y, posteriormente definir la selección a través de la máscara de capa.

Por cierto, recuerda también variar la opacidad de las capas de ajuste, podrá permitirte lograr resultados más naturales y correctamente integrados.

Lección #3. Varía El Modo de Fusión de la Capa de Ajuste

Tanto si aplicamos una capa de ajuste por niveles, como si lo hacemos por curvas y mantenemos el modo de fusión en el valor Normal, estaremos actuando sobre la luminancia y el color de la imagen.

En determinadas ocasiones, puede no interesarte variar el contraste del color y sólo buscar lograr una mejora en la luminosidad del mismo.

Cambio en el modo de fusión de la capa de ajuste

Por ese motivo, mi recomendación es que cuando trabajes con capas de ajuste para variar la exposición y el contraste de la imagen, pruebes entre los modos de fusión Normal y Luminosidad y te quedes con el resultado que más te agrade.

Como puedes ver en la figura superior, el modo de fusión normal puede originar, en determinadas ocasiones, colores excesivamente saturados (cielo de la imagen de la izquierda), cuando a lo mejor te interesa actuar sólo sobre la luminosidad (cielo de la imagen de la derecha).

Recuerda que los modos de fusión de capas pueden darte mucho juego en la edición de tus fotografías.

 

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30 de octubre de 2012 Posted by | TÉCNICAS FOTOGRÁFICAS, TUTORIALES | Deja un comentario

6 PRÁCTICOS CONSEJOS PARA HACER UN BARRIDO

La técnica del barrido consiste en fotografiar un motivo en movimiento acompañando este movimiento con la cámara. Es decir, barriendo la escena para seguir al motivo. Todos los barridos son fotografías en (más o menos) larga exposición pero no todas las largas exposiciones son barridos. Hoy vamos a profundizar en este tema añadiendo a ese artículo original algunos consejos prácticos que nos ayudarán a conseguir unos resultados mejores en este tipo de fotografía. ¿A qué debemos hacer los barridos? ¿Qué valores deberíamos utilizar? ¿Es importante el equipo del que disponemos? ¡Vamos a ello!.

¿Qué Sujetos son los más Adecuados para Fotografiar en Barrido?

En general, si hacéis una búsqueda en Google de la palabra “barrido” veréis que lo que más abunda son las fotos hechas a vehículos (coches y motos) en movimiento. Es cierto que los automóviles son idóneos para hacer barridos porque se trata de una gran masa uniforme (es decir, que no tiene partes móviles independientes). Aún así, no son los únicos sujetos que pueden regalar un barrido bonito: siguiendo en el mundo de los vehículos, las bicicletas también pueden servirte pero ten en cuenta que el ciclista, al pedalear, puede hacer que sus piernas no salgan nítidas. Esto puede ser bueno o malo dependiendo del resultado que quieras conseguir con tu barrido, queda a tu elección.

Pero si no quieres fotografiar barridos con vehículos, puedes probar con personas andando, con objetos que se mueven (por ejemplo un péndulo, una pelota…). En realidad cualquier cosa en movimiento puede convertirse en un buen sujeto para un barrido, sólo tienes que aprender a ver cómo quedará la fotografía antes de tomarla para ver si es una buena idea o no. Y ante la duda, dispara, que no se acabará el carrete 😉 -Si disparas en analógico sí, evidentemente!-

 

¿Dónde Voy a Hacer un Barrido?

Para conseguir los barridos más espectaculares, es recomendable que el sujeto en movimiento esté equidistante al fotógrafo en todo momento. Esto no significa que, si el movimiento no es equidistante en todo momento, el barrido vaya a salir mal, simplemente que, seguramente, los resultados te parecerán más satisfactorios en el primer caso porque tu movimiento será más fluido, las estelas creadas por el movimiento serán rectas y más limpias.

Sea como sea y vayas donde vayas a hacer tus barridos, lo importante es que mires bien el escenario para encontrar el mejor fondo para tu sujeto. También es importante que hagas pruebas, aunque sea sin él, para ver cómo el fondo se transforma con el movimiento de la cámara. Piensa que un fondo muy despejado apenas creará estelas, por el contrario, un fondo complejo, con muchos elementos, dará lugar a muchas estelas. Depende de lo que quieras conseguir con la fotografía te irá mejor una cosa u otra, planifica bien.

El Movimiento Perfecto para un Barrido

Lo ideal para las fotos hechas en barrido es que el movimiento que queremos captar en nuestra foto sea lo más rectilíneo, homogéneo y continuo posible. De lo contrario, nos será muy complicado seguirlo con la cámara y, por lo tanto, que el sujeto quede muy bien definido en la fotografía final.

En absoluto esto significa que un sujeto con un movimiento más “complicado” lleve a una fotografía menos atractiva visualmente. Como siempre os decimos desde dZoom, no tengáis miedo en probar, en innovar, en experimentar. Quizás no salga un barrido “tradicional” pero el resultado, hecho de manera consciente y técnicamente correcto, puede llegar a ser muy bueno.

¿Es Importante el Equipo del que Dispongo?

Vamos a ser sinceros: hacer fotografías de barridos es mucho más fácil si disponemos de cámaras que cuenten con modo manual en el que puedas controlar la velocidad de obturación. Eso descartaría una buena parte de las cámaras compactas del mercado. Sin embargo, esto no significa que con una cámara compacta no se puedan hacer barridos! Por ejemplo, podemos contar con la Compensación de la Exposición que se encuentra en casi todas las cámaras digitales para controlar la cantidad de luz que nuestra cámara tiene que captar. Otra alternativa podría ser elegir cuidadosamente el momento en el que hacer la foto, si buscamos un momento o un sitio oscuro para hacer el barrido (durante la noche o en un sitio mal iluminado), tu cámara compacta automática necesitará un tiempo de exposición más largo para captar toda la luz que necesite y eso podrás aprovecharlo para hacer los barridos.

Además, por norma general, cuanto “más alta” sea la gama de tu cámara, seguramente tendrá características que te pueden ayudar en tu trabajo de realizar barridos: enfoques más rápidos y precisos, estabilizadores de imagen, enfoques en tres dimensiones o en servo continuo… Desde luego, y como venimos diciendo desde el principio, esto no significa que si no dispones de una cámara de “gama alta” no puedas realizar barridos, simplemente tendrás que esforzarte más para conseguir resultados interesantes así que:

¡ármate de paciencia y dispara!

Dejando de lado la calidad de la cámara de la que dispongas, lo que sí te puede ser muy útil es realizar los barridos con un trípode.  A la hora de disparar, deberías asegurarte de que el trípode está bloqueado sólo en el plano vertical, para que puedas mover la cámara de manera horizontal libremente.

Vale, ¿Y Cómo Hago las Fotos?

Llegamos a la parte que más nos interesa si nunca hemos hecho este tipo de fotos: ¿qué parámetros elijo en mi cámara para que mi barrido quede espectacular? Como todo: depende. Depende, como ya hemos visto, de la cámara que utilicemos, de la situación lumínica, del tipo de sujeto en movimiento que vamos a capturar, el sitio en el que nos coloquemos para realizar las fotos…

Una cosa está clara: cuanto más baja sea la velocidad de obturación, más difícil será que el sujeto quede nítido pero más espectacular será el resultado final.

Como todo en fotografía, los valores de exposición que estoy a punto de decirte no son leyes inmutables y puedes variarlos cuanto desees para conseguir el resultado deseado. El caso es que, si realizaras el barrido cerca del sujeto podrás utilizar tiempos de obturación más altos (por ejemplo 1/100s ó 1/200s) y confiar en separar sujeto y fondo mediante la profundidad de campo además del movimiento. Sin embargo, los valores más comunes para realizar barridos son 1/70s y similares. Si lo que buscas es un barrido muy espectacular, deberás recorrer a tiempos de exposición más bajos: 1/30s ó 1/50. Como ya hemos comentado, cuanto más baja sea la velocidad de obturación, más complicado será conseguir una imagen nítida del sujeto en movimiento así que un trípode podría ser tu mejor aliado en estos casos.

Sea como sea, cuidado con la luz de la que dispones. Si quieres realizar las fotografías a plena luz del sol, no podrás bajar la velocidad de obturación sin sobreexponer la imagen, a no ser que cierres el diafragma. Recuerda también que a diafragma más cerrado, más profundidad de campo y que si tienes alguna mancha en el cristal del objetivo o en el sensor, será más visible con menores aperturas.

La mejor manera de controlar los valores de tu cámara para conseguir buenos barridos es, evidentemente, utilizando el modo manual de tu cámara. Aunque también te puede ser útil el modo de Prioridad a la Velocidad.

La Dificultad de Ser Creativo en los Barridos

Como ya hemos visto, los automóviles son los sujetos perfectos para realizar barridos. Pero ¿no os parece un poco aburrido poner “Barrido” en Google y que todo sean coches?. Es cierto, teniendo un sujeto tan perfecto puede hacer que no nos planteemos buscar otras maneras de hacer barridos pero un barrido puede ser espectacular si nos apartamos de la carretera. Cualquier objeto que se mueva puede ser un estupendo sujeto para nuestras fotos: un columpio, un péndulo, algo cayéndose, un pájaro que levanta el vuelo… La siguiente foto es un ejemplo de esto: Cristina Urzay quiso jugar con el doble sentido de la expresión “Barrido fotográfico” y consiguió un barrido bien original!

Pero recordad: para que un barrido sea “correcto”, tu cámara deberá acompañar el movimiento. Si no, la imagen resultante será, simplemente, una larga exposición que ha captado un movimiento. Aunque puede que esto sea lo que buscamos, ¡también pueden salir fotografías muy interesantes con esta técnica!

Desde luego, la práctica lo es todo así que ¡agarra tu cámara y sal a hacer fotos! Y, por supuesto, si tienes algo que enseñarnos, ¡los comentarios son tu espacio!

 

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28 de octubre de 2012 Posted by | TÉCNICAS FOTOGRÁFICAS | Deja un comentario

DOS MANERAS DE EVITAR LOS REFLEJOS

Photo: A diptych comparing two images of mannequins in a store windowFotografía de Cary Wolinsky

Los reflejos pueden aportar un bonito detalle a ciertas tomas, ya sea creando una bella simetría en los paisajes, o haciendo ver las cosas de una manera diferente. Pero a veces también pueden tener un efecto perjudicial, atravesándose en el camino de lo que se quiere capturar.

Con filtro polarizador. Puede bloquear o reducir la luz reflejada en ciertos ángulos del vidrio, el agua y las superficies lisas no metálicas. El montaje de sus tornillos se encaja en la parte frontal del objetivo, pero aún así el filtro puede girarse para cambiar el ángulo y obtener diferentes grados de reducción en los reflejos. Cabe mencionar que los filtros polarizadores también pueden usarse para oscurecer cielos, reducir la reflectividad de la vegetación, ver a través del agua, y demás.

En el ejemplo debajo, se ve claramente la diferencia entre una fotografía sin filtro y con otra con él. En este caso el fotógrafo estaba interesado en los maniquíes, por lo cual los reflejos de la primera fotografía la inutilizaban totalmente.

Photo: Mannequins in a store windowFotografía de Cary Wolinsky

Photo: A photographer reflected in a store windowFotografía de Cary Wolinsky

Sin filtro polarizador. En este otro ejemplo, se ha prescindido del filtro en ambos casos. ¿Cómo se logró evitar el reflejo entonces? El fotógrafo no disponía de este accesorio, pero se percató de que la parte de la ventana a través de la cual podía ver lo que había del otro lado era aquella en la que su cuerpo bloqueaba la luz. Así que se acercó aún más e hizo otra toma.

Si bien el segundo intento estuvo mejor, aún había reflejos. Así que el fotógrafo pensó un poco más, y decidió pegar el objetivo a la ventana sin ángulo alguno para bloquear toda la luz proveniente de la calle. Luego de tomar esta medida el resultado fue que pareciera no haber nada entre él y su sujeto.

Photo: A photographer reflected in a toy store windowFotografía de Cary Wolinsky

 

Photo: A toy store windowFotografía de Cary Wolinsky

Muchos fotógrafos incluso utilizan una tela negra para bloquear aún más superficie – especialmente al fotografiar grandes escaparates o vidrieras de museos.

Como ves, el accesorio indicado ayuda a solucionar este problema, pero aún si no dispones de él, puedes hacer uso de tu ingenio y buscar otras formas de llegar al mismo resultado.

Referencia:

http://photography.nationalgeographic.com/photography/photo-tips/pbb-reflections/?source=phototips

 

Fuente.

24 de octubre de 2012 Posted by | TÉCNICAS FOTOGRÁFICAS | Deja un comentario

UNAS GOTAS DE AGUA

Ayer, aprovechando un día magnífico en compañía de otras 150 personas, hicimos un alto en la marcha para reponer fuerzas y en un parquecito había una fuente. Un buen amigo mío se entretuvo en poner ramitas en el caño de la fuente, y cogí mi cámara, y comencé a fotograficar las gotas que salían por los distintos elementos que éste personaje ponía… he de decir que están hechas a pulso, no es un macro… espero que os gusten.

22 de octubre de 2012 Posted by | EXPOSICIÓN | Deja un comentario

CIELOS DESDE MI BALCÓN

Sentado frente a la ventana, con mi ordenador, levanté la vista y vi el cielo… me gustó cómo estaba y me lancé a por la cámara. Hice unas pruebas de luminosidad, esperé un poco hasta que la luz era más pobre, y realicé algunas. Espero que os gusten.

 

Las pongo en miniatura, pero haciendo click en cualquiera de ellas, podrás disfrutar de la galería de las nueve fotos a toda pantalla.

 

19 de octubre de 2012 Posted by | EXPOSICIÓN | Deja un comentario